martes, 8 de diciembre de 2015

38 Special - A Wild-Eyed Christmas Night (2001)


Como consecuencia de la explosión del denominado "rock sureño" en la década de los 70´s en la historia del rock, en EE.UU., bandas como The Allman Brothers Band, Marshall Tucker Band, The Outlaws, Molly Hatchet, Blackfoot, Black Oak Arkansas o Lynyrd Skynyrd vieron su gran expansión. Sobre toda esta ultima, liderada por el ya difunto y legendario Ronnie Van Zant con sus dos grandes trabajos debut, "(Pronounced 'leh-'nérd 'skin-'nérd)" (1973) y "Second Helping" (1974) alcanzaron gran popularidad en EEUU y UK. No era extraño entonces que a raiz de aquel exito y siguiendo los pasos de su hermano mayor, Donnie Van Zant, formara en 1974  esta interesante agrupación, 38 Special en Jacksonville, Florida, junto a su amigo de la juventud el guitarrista Don Barnes. Completaban aquella primer formación el guitarrista Jeff Carlisi, el bajista Ken Lyons y los bateristas Jack Grondin y Steve Brookins. Consumado su contrato discográfico con la importante A&M Records en 1977 graban su primer álbum homónimo y al año siguiente "Special Delivery". El bajista Lynons deja la banda tras las grabaciones del siguiente LP "Rockin' Into the Night" (1979), siendo reemplazado por Larry Junstrom. El sonido de este tercer trabajo se inclina mas a lo melódico a diferencia del sus dos predesesores que exponen al máximo la cepa autentica de este denominado "rock sureño". "Rockin Into the Night", marcaría la tendencia de aquel sonido en los años 80´s de la banda que fue un rock mas emparentado al "Arena rock" o el "rock de estadio" o el "rock industrial" si se quiere pero sin apagar, por supuesto, su llama sureña. Discos como "Wild-Eyed Southern Boys" (1981), "Special Forces" (1982) y "Tour de Force" (1984) gozaron de un gran éxito, llegando a disco de platino el primero. En los 90´s Barnes vuelve a 38 Special y tras un sinnúmero de cambios en su formación, la banda registra álbumes como "Bone Against Steel"(1991) y "Resolution"(1997).

Para la grabación de este conceptual navideño, "A Wild-Eyed Christmas Time", los 38 Special canalizaron el espíritu navideño de varios de los tradicionales villancicos junto a otras composiciones propias con esta misma temática, a través de la salvaje impronta del rock sureño.
Uno de los clásicos mas populares de todos los tiempos se abre paso con "Jingle Bell Rock". Versión de aquella canción grabada por vez primera por el cantante de country Bobby Helms en 1957, compuesta por Joseph Carleton Beal y James Ross Boothe, tantas veces versionada por un sinnúmero de artistas. La letra de la canción original fue pensada en un principio para parodiar al archiconocido standar navideño "Jingle Bell" y hace alusión al clásico del rock n roll "Rock Around the Clock" de Bill Haley y sus Cometas. "Here Comes Santa Claus" otra tradicional del "vaquero" Gene Autry, grabado por varios artistas (desde Elvis Presley, Bing Crosby, Bob Dylan, Chicago, pasando por Billy Idol, Mariah Carey, y muchos mas). Este compositor debe su fama por interpretar sus canciones vestido como un cowboy en TV, películas y radio. Autry se inspiró para componer la canción encontrándose en Hollywood cuando montaba su caballo durante el clásico desfile "Santa Claus Lane Parade", (actualmente llamado "Hollywood Christmas Parade"), cuando la multitud enardecida comenzó a gritar: "Aquí llega Santa Claus!!!!".

Aquella hermosa historia de "el pequeño tamborilero", "The Little Drummer Boy", otro villancico infaltable hace su debida presentación. Esta vez bañada en sintetizadores. De entre las composiciones propias de la banda, brillan "Hallelujah, It's Christmas!", la balada en plan romántico "It's Christmas and I Miss You" pero sobre todo la que titula al álbum, la festiva y ardiente "A Wild-Eyed Christmas Night". Otro lindo momento es "That Old Rockin Chair" una especie de mirada omisciente sobre la tranquilidad de los tiempos de navidad desde una vieja silla mecedora. De el mas que famoso binomio compositivo Jerry Leiber/ Mike Stoller, la banda se dá el gusto de reversionar a la cruda y salvaje "Santa Claus is Back in Town".

La mas que erizante "O Holy Night" es una cita continua en esta clase de álbumes y por supuesto otra que tiene fieles adeptos a la hora de interpretarse. Es sin dudas uno de los momentos mas estremecedores del álbum. Mas que acertada la voz de  Donnie Van Zant que por momentos sabe bien acompañarse por los coros de Barnes y Capps. Había sido compuesta por Adolphe Adam y su letra originaria en francés escrita por Placide Cappeau. Hace alusión a aquella noche Divina del nacimiento de el niño Jesus. La historia cuenta que a finales de 1843 el organo de la iglesia del pueblo de Roquemaure de donde era nativo Cappeau, era renovado. Con motivo de esto, algunos de los habitantes pidieron al poeta que escribiera un poema Navideño. Lo verdaderamente extraño y mas analizando su letra, era que Cappeau era ateo, no profesaba ninguna religión. Finalmente en 1847 con la música de Adam lista, fue estrenada en la voz de la cantante de opera Emily Laurey.

Barnes demuestra el buen uso de la mandolin guitar en el final del disco con otro conocido villancico folk de origen ingles. Uno de los mas antiguos que data del siglo XVI, en su versión instrumental, tal como también la interpreto la banda Jethro Tull alguna vez. El villancico en cuestión se resume a un pasaje de "Un Cuento de Navidad" de Charles Dickens: ..."Al primer sonido de: `Dios te bendiga´, alegres caballeros, no tendrán ninguna consternación... Scrooge (personaje ficticio del cuento) se ha apoderado de la ley con tal energía que el cantante huyó aterrorizado, dejando el ojo de la cerradura en la niebla e incluso con heladas mas que agradables..."

Siendo este su trabajo numero 14, 38 Special grabó solo un trabajo mas de estudio en 2004 "Drivetrain" y en 2011 el directo "Live From Texas". En el año 2012 sale a la luz la noticia de que Donnie Van Zant abandonaría la banda tras 39 años, debido a un problema en los nervios del oído interno. La voz principal quedaría por parte del guitarrista Don Barnes. De todas formas Van Zant sigue bien de cerca el mundo del "rock sureño" aportando ideas y letras para la banda y se divierte apareciendo en algún que otro concierto de Lynyrd Skynyrd, banda que como dato curioso tiene como cantante actualmente a otro Van Zant, Johnny el menor de los tres hermanos.



Personal:

Don Barnes - guitarras, mandolina, voces
Bobby Capps - teclados, voces
Danny Chauncey - guitarras, teclados
Scott Meeder - bateria
Donnie Van Zant - voz principal




Lista de Temas:

1. Jingle Bell Rock (Beal, Boothe)
2. Here Comes Santa Claus (Gene Autry, Haldeman)
3. The Little Drummer Boy (Davis, Onorati, Simeone)
4. Hallelujah, It's Christmas! (Barnes, Chauncey, Van Zant)
5. It's Christmas and I Miss You (Barnes, Peterik)
6. A Wild-Eyed Christmas Night (Peterik)
7. That Old Rockin Chair (Chauncey, Van Zant)
8. Santa Claus Is Back in Town (Jerry Leiber, Mike Stoller)
9. O´ Holy Night (Tradicional)
10. God Rest Ye Merry Gentlemen (Tradicional)

jueves, 19 de noviembre de 2015

David Gilmour - Rattle That Lock [Deluxe Edition] (2015)


A sus 69 años de edad el legendario guitarrista, cantante y compositor de Pink Floyd, David Gilmour, publica su cuarto álbum solista de estudio "Rattle That Lock". La gira de presentación del mismo, "Rattle That Lock Tour (2015–2016)" lo traerá por primera vez a la Argentina,
el 18 de diciembre de este año.

Casi diez años pasaron de su anterior álbum como solista, el aceptable "On an Island" (2006). En medio, un trabajo con la agrupación de música electrónica enfocada al "ambient house", The Orb : "Metallic Spheres" (2010). Salido en septiembre de 2015 "Rattle That Lock" ha cosechado criticas tanto favorables como no, dentro de los fans. Lo cierto es que es un disco un tanto alejado a lo que es su material como solista, iniciado a finales de los años 70´s con "David Gilmour" (1978), e incluso a los de Floyd. Pese a la relevancia dentro de la escena musical que tiene el guitarrista, el disco puede que tenga algún que otro altibajo. No terminan de cerrar la cohesión entre algunos pasajes entre su inmortal prog rock de clara raíz blusera, y su nuevo enamoramiento con en el jazz clásico. Si no fuera por esto, podríamos decir que en gran parte de las composiciones falta ese "factor sorpresa". En lineas generales es una placa con un concepto de tinte oscuro, por su estado general de melancolía, como así también por la temática de sus letras y el artbook del disco. Bien puede tratarse de un tema más que recurrente dentro de el prog rock, el paso del tiempo, la nostalgia hacia los tiempos de la juventud, reflexionando desde la edad madura.

Su pasado (terminado?) Floydeano se hace valer ya desde la introducción del álbum con "5 A.M." Canción instrumental que parece extraída del mismísimo "The Division Bell". Esta esencia intimista del comienzo fluye al mas puro estilo Pink Floyd hasta parir la canción que titula al álbum "Rattle That Lock". Un rock básicamente bailable con coros femeninos, de estilo rítmico que recuerda a el clásico "Money". Nada del otro mundo, pero la candidez  y certeza de sus solos le dan cierta identidad interesante, por supuesto. Cuenta con la participación de The Liberty Choir y las cantantes Mica Paris y Louise Marshall. El áurea melancólica prosigue, en "Faces of Stone", sobre todo en la introducción, para pasar a una base acústica bien lograda. Una canción cambiante con orquestaciones por momentos y otra vez están allí sus sutiles solos.

El momento de su infaltable y clásica steel guitar no podía faltar: "A Boat Lies Waiting". Pasajes de suaves pianos contienen el clímax de un bote navegando, con interesantes voces superpuestas. El clásico blues de David se manifiesta en "Dancing in Front of Me", donde intenta un cambio de estructuras, incluyendo una temática jazzera en un tramo. Algo que se respirará mas adelante en el álbum. Otra composición para no menospreciar es "In Any Tongue", intensa sin perder la tonalidad oscura predominante del álbum. Lo que había comenzado como un coqueteo con el jazz en "Dancing in front of me" en "The Girl in the Yellow Dress" acabaría como romance. Quizás uno de los mejores momentos del disco sea la gigante "Today" (el otro corte de difusión que salió junto al homónimo). Aquí si que nos quitamos el sombrero, a pesar de parecer otro flash back a los tiempos de "The Division Bell".

Fue coproducido con Phil Manzanera (Roxy Music), quien también aporta guitarras y teclados. Polly Samson (esposa de Gilmour), quien se destaca también como letrista, se encarga de la mayoría de las letras y adiciona piano y voces. Ya había contribuido con algunas de sus lineas para el ultimo disco de Pink Floyd "Endless River" de 2014. Otros invitados de renombre son los legendarios David Crosby y Graham Nash quienes aportan coros en "A Boat Lies Waiting"  y el buen amigo de David, Robert Wyatt (Soft Machine) quien ejecuta la corneta en "The Girl In The Yellow Dress". El arte de tapa a manos Dave Stansbie para The Creative Corporation. Aunque tenga un claro tono gris como la atmósfera melancólica de gran parte de las canciones, la portada nos deja un sabor esperanzador. La idea de una bandada de pájaros, en su mayoría negros, que salen en libertad desde su jaula, da la impresión que el guitarrista quiere soltar el pasado, sin mirarlo con resentimientos .

Un dato significativo es que las primeras notas de la canción "Rattle That Lock" fueron compuestas por Michaël Boumendil. Estas son las que preceden los anuncios de las estaciones de tren francesas que Gilmour grabó con su iPhone en la estación de Aix-en-Provence. Esta edición deluxe contiene cuatro tracks adicionales. Tres versiones diferentes de la canción "Rattle That Lock", entre ellas una versión con una mezcla techno para la juventud, y la versión orquestada de "The Girl in the Yellow Dress"


Lista de Temas:

1. 5 A.M.
2. Rattle That Lock
3. Faces of Stone
4. A Boat Lies Waiting
5. Dancing Right in Front of Me
6. In Any Tongue
7. Beauty
8. The Girl in the Yellow Dress
9. Today
10. And Then...

Bonus Deluxe Edition:

11. Rattle That Lock (Extended Mix)
12. The Girl in The Yellow Dress (Orchestral Version)
13. Rattle That Lock (Youth Mix - 12" Extended Radio Dub)
14. Rattle That Lock (Radio Edit)


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miércoles, 21 de octubre de 2015

Alejandro Del Prado - Los Locos De Buenos Aires (1984)


Alejandro Del Prado es otro importante cantante. compositor y guitarrista argentino que le canta a Buenos Aires. Proveniente de una agrupación formada en 1974  llamada Saloma, que se encargaba de fusionar el rock con los múltiples sonidos rioplatenses (murga, candombe , etc.). Saloma se separaría en 1978, lo que determinaría el inicio de su efímera pero contundente carrera como solista . Para la época de pleno auge del panorama post dictatorial del país, el músico ya contaba con dos rebosantes álbumes de estudio, "Dejo Constancia" (1982) y "Los Locos de Buenos Aires" (1984). Aquel primer LP, había sido perpetuado y grabado ya en en el año 1980, pero se editaría dos años después. La buena impresión que había dejado Del Prado en el panorama de la "música de autor" había llamado la atención de artistas ya consagrados, quienes participarían en aquel debut, como por ejemplo Litto Nebbia o ni mas ni menos que el mismísimo Silvio Rodriguez, quien canta la magnifica canción "Que Cazador", escrita por el poeta bonaerense Jorge Boccanera .

"Tangos, Murgas & Milongas" es un subtitulo mas que apropiado para esta colorida acuarela de composiciones. El epicentro de las canciones es por supuesto la ciudad de Buenos Aires. Sin perder el tiempo se pone en la piel de una especie de cronista/historiador, repasando algún que otro suceso determinante  de el país.  Una de las primeras murgas porteñas grabadas en vinilo, abre este álbum: "Aquella Murguita de Villa Real". Una introducción llena de algarabía, su letra tan poderosa, nos lleva a imaginarnos a esta murga pasando por nuestra calle, entre coros y ademanes jocosos e inventándonos a unirnos a ella. Dedicada a esa localidad de la cuidad autónoma de Bs As, que festejó su centenario en 2009. "Los locos de Buenos Aires", fue la gran composicion que en mayor parte impulso su carrera, cuando en la segunda mitad de los años 80 comenzó a tener cierta trascendencia en las emisoras. Compuesta en México en el 1982, es una melodía inigualable con su letra que pincela adecuadamente una serie de extraños (o no tanto...) personajes de la ciudad Buenos Aires. La canción pese a no formar parte del cancionero popular del llamado "rock nacional", tiene ese gusto a que si podría llegar a haber pertenecido ,y cierto aire de inmortalidad.

Evocando viejas nostalgias, quizás las mas cercanas a su adolescencia, Del Prado se inspira en quizás uno de los momentos mas sobresalientes del disco, el "Tanguito de Almendra". No solo canta sobre aquella agrupación que integraba Spinetta, sino que también rememora toda una época de la Argentina, recordando por ejemplo a aquellos viejos tocadiscos. Basta con escuchar: "Te acordás cuando escuchábamos Almendra en el Winco desinflado de una siesta...". También  rememora los tiempos  del régimen dictatorial en el país. Notese que evoca, sin vacilar, con un pequeño homenaje en el estribillo al gran Litto Nebbia evocando a aquel magnifico, "El Otro Cambio, Los Que Se Fueron":  "Si algo ha cambiado, eso es nosotros por suerte hermano, después de todo sobrevivimos a la gran pálida... mata podernos encontrar..."

La poesía urbana sigue haciendo eco en gran parte del álbum. Acompañadas por un curioso ritmo de reggae, con aires a la naciente "new wave" de por entonces. Un ejemplo es sin dudas la surreal "La vida esta llena de cosas peores" y otras de bellisimos arreglos de cuerdas, y sobre todo de voces, en la erizante "Fotos de una ciudad". Otro gran acierto en compás tanguero es "¿Donde vas, mariposa de lujo?" con su letra provocativa para aquella época, que se atreve a hablar de la marihuana. La clara e inteligente descripción e intención de la imperdible "Interrogatorio y allanamiento del duende", es recrear una detención y posterior tortura, en esa época ,como con una especie de fábula bucólica.

Luego de este excelente álbum, Alejandro Del Prado tubo un largo parate de dos años en México y tres en Madrid. Aquellas vivencias lo impulsaban igualmente a seguir con su interesante labor de compositor, ubicando su foco (sin importar donde residiera) en su amada ciudad de Buenos Aires. Pero la mayoría de sus nuevas canciones, se encontrarían muchos años despuès en lo que seria su flamante regreso a los álbumes de estudio en el año 2008 con "Yo Vengo de Otro Siglo"·


Lista de Temas:

1. Aquella Murguita de Villa Real
2. Los Locos de Buenos Aires
3. Tanguito de Almendra
4. La Vida Esta Llena De Cosas Peores
5. ¿Donde Vas, Mariposa De Lujo?
6. Ecológico
7. Yo Soy Tu Antepasado
8. Interrogatorio y Allanamiento del Duende
9. Fotos de Una Ciudad
10. La Marcha de La Pelota


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viernes, 18 de septiembre de 2015

Sly & The Family Stone - Stand! (1969)


Sylvester Stewart (Sly Stone) es uno de los personajes mas destacados, talentosos, alocados y revolucionarios de la música a fines de los años 60´s y principios de los 70´s. Comandando la agrupación "Sly & The Family Stone" ayudo a desarrollar el concepto legitimo y tan vanagloriado de la música soul y funk de EE UU, llevándola a terrenos novedosos como sus pares de Parliament Funkadelic, siguiendo por supuesto la linea inicial que trazó el rey de este genero, James Brown .

Los inicios de Sly & The Family Stone se remontan a San Francisco en 1966 cuando Sly forma la banda "Sly & the Stoners" y al cabo de un tiempo decide fusionarla a la de su hermano Freddie Stone quien lideraba "Freddie & The Stone Souls". Además de guitarrista, tecladista, bajista y cantante, las habilidades de Sly eran también las de productor y DJ en algunas emisoras de radio. Es curioso que lo bien que le calza el nombre a la banda, ya que la "familia" la constituía, sus hermanos Rose (teclados), Vaetta (voces) y obviamente Freddie (guitarra), junto con Cynthia Robinson (trompeta), Larry Graham (pionero del slap, la forma de tocar el bajo emparentada al funk de hoy), Jerry Martini (saxo) y Gregg Errico (batería).  Había cuatro cantantes principales, los tres hermanos Stone y Larry Graham, a los cuales se les unían Cyhntia Robinson y las coristas del grupo de gosspel que integraba Vaetta: "The Little Sister".

Con toda esta troop de gente y voces de hombres y mujeres, blancos y negros intercalándose entre si y también sonando al unísono, era mas que evidente una nueva cuota para la música popular de hasta entonces. Mucho menos extraño, era que de hecho, el primer larga duración de 1967 fuera bautizado con el profético titulo de "A whole new thing" ("Toda una nueva cosa"). Fue así que esta naciente formación de fines de los años 60´s irrumpe en la escena de la música popular de por entonces, dándole un fuerte envión y sobre todo influenciando a músicos del jazz, como Herbie Hancock quien crea su conjunto "Headhunters" y Miles Davis invitó a Sly a tocar "On The Corner"y mas adelante en el tiempo es mas que obvia su influencia en Prince."Stand!", su cuarto álbum de 1969, consagra a Sly & The Family Stone que esboza una inmejorable fusión entre funk, soul, rock, el jazz y la psicodelia. La banda aquí pega el salto de calidad que cala hondo en aquella generación hippie y asi de inmediato son invitados ese mismo año al legendario Woodstock.

El inicio con "Stand!" es una oda al optimismo de ritmo ultra funk de un perfecto final de coros gospel. Su base rítmica influenciaría lo que seria la denominada música "disco" en los venideros 70´s. De inmediato el funk con temática social se hace presente con "Don't call me nigger, whitney" . Una canción anti-racial pero con un ida y vuelta: ..."Don't call me nigger, whitey... don't call me whitey, nigger".

"I want to take you higher" hizo furor en el memorable Woodstock, un groove sostenido por el hammond de Sly y las guitarras rockeras de Freddie. Una canción que se desarrolla entre medio de las voces de todos los miembros y donde desfilan varios estilos entre ellos el R&B, por el solo de armónica y el jazz por el acertado solo de trompeta. Entre todo ese torbellino desenfrenado y a la vez adictivo de "I want to take you higher" llega la calma con la paranoica y graciosa "Somebody's watching you", simple y de varios juegos vocales. "Sing a simple song" expone la mas autentica cepa funk del disco, con gran trabajo de Larry Graham al bajo. "Everyday People" fue el primer hit de la agrupación.

La omnipotente "Sex Machine" fue como una especie de epifanía para James Brown, ya que su álbum de ese mismo titulo saldría en 1970. Un zapada totalmente fuera de lo que era el funk hasta entonces, se presenta como uno de los primeros funks experimentales donde todos se lucen con sus instrumentos sobre todo el destacable solo de batería de  Gregg Errico al final. En esta edición disfrutaremos también de algunos bonus tracks que son las versiones en single de "Stand!" y "I Want To Take You Higher" y otras perlas mas.

El éxito considerable del álbum provoco ciertos desmanes dentro de la banda relacionado con el consumo de drogas, sobre todo por parte de Sly . El claro "soul sociopolitico" introdujo al músico en la lucha anti racial, llegando a formar parte de los "Black Panthers" (Panteras Negras), quienes lo obligaron a la estúpida labor de hechar a sus músicos blancos de la banda. Igualmente no se prohibirían de sacar grandes álbumes como "There's a Riot Goin' On "o "Fresh". Sly & the Family Stone se disolvería en 1975, pero Sly continuaría como solista hasta 1983. En 1992 la banda entraría en el legendario  Rock & Roll Hall of Fame y en 2007 el sello Legacy reeditaría y reemasterizaria todos los álbumes de la banda hasta 1979, lo que impulsaría a Sly al escenario luego de 25 años con una gira mundial no dejando del todo satisfecho al publico. Sin embargo su actividad como productor continuaría y el día de hoy, con sus 72 años, colaboraría con el músico Sal Filipelli en su álbum "This Day in Music History" de 2015.



Lista de Temas:

1. Stand!
2. Don't call me nigger, whitey
3. I want to take you higher
4. Somebody's watching you
5. Sing a simple song
6. Everyday people
7. Sex machine
8. You can make it if you try

Bonus tracks:

9. Stand! (single version)
10. I Want To Take You Higher (single version)
11. You Can Make It If You Try (unissued single version)
12. Soul Clappin' II
13. My Brain (Zig-Zag)


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jueves, 20 de agosto de 2015

Heurística Bola Musical - Al Latir (2015)


Segundo trabajo de este proyecto musical de la ciudad de Mar del Plata. El embrión de Heurística ya se había gestado allá por el año 2008 con el proyecto en solitario del cantautor Matias Martinez: La Guitarra en La Ventana (2008).

En el año 2012 tras reclutar a algunos músicos marplatenses se forma Heurística que al poco tiempo editarian su debut "Amanecer"(2013). En aquel trabajo descubrimos otro enfoque y otro concepto de sonoridades a algunas de las composiciones ya incluidas en su trabajo solista: La Guitarra en La Ventana (2008). "Al Latir" nos ofrece otro nuevo enfoque mucho mas pulido de las canciones de "Amanecer" que trascienden las limitaciones genéricas para fusionar nuevos estilos y se incluyen nuevas composiciones como "Mujer", "Gira Carrusel" y "Hoy".


Lista de Temas:

1. Marroquí
2. Murmullo
3. Sueño Primero
4. Congelar Un Latido
5. Luna Dime Que Me Ha Hecho
6. Plenilunio
7. Al Latir
8. La Piel
9. La Voz
10. Mujer
11. Gira Carrusel
12. Hoy


Integrantes:

Matias Martinez: guitarra y voz
Victoria Ocampo: voz
Julieta Centurión: percusión
Rosario Gonzáles Sáenz: violín


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Otros Discos de Heurística disponibles:

2013 - Amanecer


jueves, 30 de julio de 2015

IQ - The Wake (1985)


De los tres pilares que conforman el denominado "neo progresivo" (neoprog) nos faltaba homenajear aquí en este blog, a una interesante banda británica de principio de los años 80: IQ. Fueron participes entonces junto a bandas preferentemente de la impronta de MARILLION y PENDRAGON o Pallas inclusive, los que enaltecieron los conceptos de este genero.

IQ se origino en 1982 en Plymouth al sudoeste de Inglaterra. En principio constituida por el actual guitarrista Mike Holmes, el tecladista Martin Orford, el bajo de Tim Esau, el baterista Paul Cook y el vocalista Paul Nicholls. Al poco tiempo grabarían una especie de demo en formato "casette" titulado "Seven Stories into Eight". En 1983 saldría  su opera prima "Tales From Lush Attic" dejando una buena impresión en el publico mayormente del under. Su siguiente trabajo "The Wake" de 1985 saldría una semana antes del gran "Misplaced Childhood" de Marillion, cerrando una año inolvidable para este genero. Para sus dos siguientes álbumes, "Nomzamo" (1987) y "Are You Sitting Comfortably?" (1989) contarían con la voz de Paul Menel. El estilo de estos dos se acerca a un pop mucho mas comercial, latente y demandado en los 80´s. Inclusive llegaron a tener un éxito considerablemente masivo con el corte "Promises (as the years go by)". Sin embargo volverían los años progresivos con la vuelta de Nichols en 1990 para lanzar el aceptable trabajo "Ever" en 1993, álbum que vería la salida del bajista Esau, sustituido por John Jowitt. La vuelta de Nicholls asentuaria la impronta progresiva en los años siguientes. Por ejemplo con un excluyente trabajo; otra obra de concepto, el doble "Subterranea"(1997) o "Dark Matter" (2004) entre otros. En 2005 el baterista Paul Cook abandona IQ para cederle su puesto a Andy Edwards, y en julio de 2007 la importante cuota de Martin Orford abandona la banda. Las letras de IQ se caracterizan por ser oscuras, misteriosas, con un soporte depresivo, fusionadas con ese costado épico y fantasioso propio del genero que juntos logran una conjunción muy interesante.

Grabado en 1985, "The Wake", pretende seguir la linea de su antecesor "Tales From Lush Attic" , pero con un sonido mejor y una producción mas cuidada. Es un disco conceptual que habla de un hombre atravesando los umbrales de la muerte que a su vez niega de su cruel destino.  La obra en general destila un carácter emocional fúnebre. Es claramente percibible desde un fatídico comienzo con "Outer Limits". En esta canción inicial se describe precisamente el momento en que culmina la vida terrenal del protagonista. Una "mini-suite" de 8 minutos con un inicio de bases consistentes y tranquilas a la que se le unen unos tétricos colchones de sintetizadores para dar lugar progresivamente a los demás instrumentos. Continua su pasaje al mas allá con "The Wake" que por sus riffs la hacen una de las canciones mas "heavy metal" del trabajo. Aquí nuestro moribundo ser se mira a si mismo y su alma hace revisión de su vida en la tierra. Sus sentimientos son de remordimiento, soledad , nostalgia y frustración. Se encuentra frente a su destino y, también frente a su incapacidad para aceptarlo. Llegando al final la lánguida cortina de teclados de Orford emula a una misteriosa "luz" que atrae a el personaje, esto a la vez sirve de elemento cohesivo con la siguiente pieza que es quizás el punto de inflexión en nuestro personaje: la maravillosa "The Magic Roundabout".  En este raro espectáculo lumínico se desmantela lo que en verdad trama esta misteriosa luz: atraer hacia el limbo al personaje. Aquí sufre un vaciamiento espiritual enceguecido por la luz: "Estoy perdiendo la razón sigo olvidando lo que he dicho... trato de acercarla, pero no hay nada en mi cabeza. No creo en el jamás y no creo en el ahora. Si la vida es todavía, vale la pena vivir... ¿Cómo es que me siento solo ?...". Es este encuentro con la luz de lo que trata "The Magic Roundabout", de varios cambios de ritmos  y una melodía vocal bellisima,de una densidad emocional exquisita de la mano del peculiar histrionismo de Nicholls. El final lo corona un gran solo de Holmes.

Aceptando su cruel destino y ensordecido, el sujeto en cuestión comienza a vagar por los oscuros pasajes del limbo. Este deambular lo evoca la siguiente pieza "Corners". De impronta pop, con aires psicodelicos esconde cierto misticismo, quizás por la inclusión de una acertada citara a cargo de Holmes. Este vagar por el limbo no duraría mucho ya que los recuerdos terrenales y la negación hacia su cruel destino, comenzarían a pujar, especialmente los recuerdos de su esposa. Eso lo que evoca otra gran mini suite de casi 10 minutos: "Widows Peak", la obra maestra del álbum. Su intro recuerda mucho a pasajes del gran "The Snoow Goose" de Camel. Una vez un sinnúmero de cambios de ritmos, desde la psicodelia, hasta melodías de un oscuro romanticismo, todo sostenido por la teatral voz de Nicholls, elemento determinante en toda la obra.

Quizás la parte mas audible del álbum sea "The Thousand Days", con una acercamiento indudable a el sonido de The Cure, es una descripción del alma del sujeto, resignada a esperar su fatal destino. La coda de esta historia se la debemos a "Headlong" donde definitivamente la resignación se apodera de el y vé las cosas como deben ser. Finalmente todo se dilucida y acepta su terrible destino: la muerte. En su reflexión final hacia el entendimiento de su condición, el personaje aclama: "...Espíritu, que me llevaste al lugar del nacimiento, has puesto el miedo en el miedo a volar. El aliento de la muerte... quieres una firma ?, una firma es lo que deseas? ... ya esta allí."

"The Wake"una preciada joya y una huella imborrable del "neo prog" de los años 80, que a pesar de ser opacado por "Misplaced Childhood" de Marillion ayudo a levantar y aggiornar este genero que mostraba tener las defensas bajas por esas épocas. En el momento de la edición en compact disc se le adiciono un bonus track, "Dans le Parc du Chateau Noir" que pese a estar fuera del concepto, no desentona con el áurea lúgubre del álbum. Para la edición presente aqui de 1994, podremos gozar de la crudeza de los demos con dos bonus mas: "The Thousand Days" y "The Magic Roundabout". El arte de tapa estuvo a cargo de el propio Peter Nicholls. Los personajes son  de su creación, excepto el rostro del centro que esta inspirado en el personaje que interpreta la actriz canadiense Rae Dawn Chong  para la película "Quest For Fire" (1981), conocida también como "La Guerre du feu"  ( "La Guerra del Fuego" para el publico hispanoamericano).



Lista de Temas:

1. Outer Limits
2. The Wake
3. The Magic Roundabout
4. Corners
5. Widow´s Peak
6. The Thousand Days
7. Headlong

Bonus tracks:

8. Dans le Parc du Chateau Noir
9. The Thousand Days (demo)
10. The Magic Roundabout (demo)


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viernes, 10 de julio de 2015

Black Sabbath - Sabbath, Bloody Sabbath (1973)


Con cuatro  discos en su haber (en solo 3 años), Black Sabbath con su clásica formación (Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler, Bill Ward), comienza a encaminar su heavy metal fatalista, gótico, distinto, hacia algunos arreglos de cuerdas, a trabajos de teclados emparentados, como no, a la música progresiva y sinfónica y a la psicodelia. Un trabajo excluyente para su ya de por si sorprendido publico.

Este sonido ya se venia gestando desde su anterior placa "Black Sabbath Vol 4." (1972) y desde aquel año también, atravesaban una crisis compositiva a raíz del abuso de drogas y sustancias del tipo psicotrópicas. Tal era el punto de escasez de ideas que hasta el guitarrista Iommi era incapaz de contribuir con aunque sea alguno de sus inmortales "riffs"y sus dedos se paralizaban al intentar sus punteos. Una de las soluciones que propuso el entorno de Sabbath era excluirse en el castillo Clearwell en Gales, para lograr una pronta desintoxicación y la tan ansiada iluminación. Fue allí entonces, donde se desarrollaron las sesiones de "Sabbath, Bloody Sabbath". Disco con muchos relieves de por si, con la  dureza y la energía de bases y guitarras potentes que los caracterizan, dulces pasajes instrumentales ("Fluff") o momentos esquizoides ayudados por la buena inclusión de sintetizadores y diferentes máquinas y teclados. Para esto ultimo la banda se dio el lujo de incluir al gran (nuevo amigo de Sabbath por entonces) Rick Wakeman de Yes, quien se prestaría como un verdadero guía hacia el camino de una musicalización mas compleja, llegando hasta a participar en una canción.

Así y todo, y a pesar de la "falta de inspiración", en un principio, el álbum marcó ya desde el homónimo inicial, una gran influencia para las bandas heavy metal de los años venideros tanto en los 80´s como en los 90´s. Un "groove metalico" en su enérgico desarrollo predomina en esta canción, una grandeza de la banda. El glorioso riff de Iommi se presenta como un verdadero océano eléctrico para que Ward y Geezer naveguen. Y por supuesto ahí esta Ozzy. Este gran vocalista de natural histrionismo e inigualable interpretación, el se abre paso con fuerza y elegancia. El riff de guitarra sigue por un momento para abocarse a una melodía con un fondo acústico muy hermoso y estilizado. En un momento la canción se vuelca a un ambiente bien heavy con toques progresivos.

Gran parte del álbum se esmera por recobrar el formato "hitero" en las canciones, despojándose de los sonidos lúgubres o extensas composiciones, etc. Buen ejemplo es "A National Acrobat", con otro excluyente riff de Iommi sobre todo en el incandescente final. Luego la singular "Fluff" una tajada instrumental de Iommi de bellos arreglos. El guitarrista aporta su buen gusto en ejecutar piano y hasta un clavicordio. Algunos pensaran que esta demás en el disco, y sobre todo habiendo otros instrumentales muy por encima de este, como por ejemplo "Changes" de su anterior álbum.

La "merlinezca" (así suena) "Sabbra Cadabra" es una genialidad y una bestialidad de este cofre lleno de sorpresas. Con su comienzo del todo arrasante, con una especie de  riff "heavy-blusero", (con un Ward espectacular), para darle paso a Wakeman con su mini moog y laportando también algunas cadencias bluseras en el piano. La presencia de Rick aporta una tensión dramática y misteriosa nunca vista en un disco de Sabbath hasta entonces. En "Killing Yourself To Live", Ozzy desata una fuerte critica, justamente hacia los críticos de la banda que se "matan cada día por vivir" pero obviamente a costa de ellos mismos. Una de las canciones mas duras del álbum, de fuerte base rítmica en la que Ozzy se preocupa por intervenir con el manejo de sintetizadores.

 La excéntrica "Who are you?" asoma como la composición exclusiva de Osbourne, arreglada inteligentemente por el resto de la banda. La base rítmica se sostiene por los synths de el propio Ozzy y de Iommi, a lo que le sigue un bello pasaje de un mellotron en manos de Gezeer Butler. La canción mas rara del álbum, que permite entrever el espíritu y la inquietud hacia las "maquinitas" del cantante, por aquel entonces. "La compuse una noche en el Bulrush Cottage mientras estaba cargando y jugueteando con una maquina de cinta Revox y mi ARP 2600" comentaría el vocalista. Como single llegó a ser numero 1 en Reino Unido.

Otra que no pierde la intención de sonar "redonda" es la acertada  "Looking For Today". Positiva por donde la miremos, concepto algo alejado a la impronta de la banda hasta entonces. Otra vez Iommi toma la posta, con un pegadizo riff y la inclusión de flautas en un segmento entre las palmas de todos los integrantes de la banda. Cierra el trabajo la ambiciosa "Spiral Arquitecht", otra genialidad. La sofisticación reaparece, desde la dulce intro de guitarras acústicas hasta los adornos de cuerdas a cargo de "The Phantom Fiddlers".

Quizás estemos ante el primer trabajo de el llamado "metal progresivo". Una joya de Black Sabbath , adelantado a su tiempo, o bien punto de partida de este subgénero.


Lista de Temas:

1. Sabbath Bloody Sabbath
2. A National Acrobat
3. Fluff
4. Sabbra Cadabra
5. Killing Yourself To Live
6. Who Are You?
7. Looking For Today
8. Spiral Architect


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domingo, 24 de mayo de 2015

Bob Dylan - Modern Times (2006)


Un debido homenaje que merece esta figura irrepetible de la cultura y el arte contemporáneo.
En esta ocasión no olvidamos uno de sus grandes álbumes de este siglo. Su trigésimo segundo trabajo de estudio de 2006, el gran "Modern Times".

A pesar de que como en varios de los trabajos de su extensa carrera musical, este trabajo ha tenido sus controversias y aun asi esta ubicado como uno de sus mas ricos álbumes de estos últimos años. Las controversias surgieron sobre todo cuando se lo acusaba de incorporar arreglos musicales, letras de canciones y poemas que pertenecen al dominio público. Los géneros musicales que predominan son el rockabilly, el blues y el americana, al igual que sus dos trabajos anteriores, "Time Out Of Mind" (1997) y "Love And Theft" (2001), lo que para algunos forman parte de una trilogía, excepto para el propio Dylan.

Sobre la carraspiada voz de Dylan suenan las guitarras de Stu Kimball y Danny Freeman. El arranque de "Modern Times" con "Thunder on the Mountain" es una buena muestra de que su talento como compositor sigue intacto. Sobre todo con el swing que nos ofrece en "Spirit on the water". "Rollin' and Tumblin'" es un standar de blues de  Hambone Willie Newbern que ya había sido popularizada por el legendario Muddy Waters, la versión de aquí es la mas cercana a la de Waters, pero salvo por el primer verso Dylan la reescribió en su totalidad. Lo mismo podemos observar en otros clásicos como la bella "When the deal goes down" de Bing Crosby o "Someday Baby" (originalmente inspirado en  "Worried Life Blues", de Sleepy John Estes) popularizado  como "Trouble No More" y acreditado a Muddy Water, y que también lo versionarian los Allman Brothers y por supuesto como muchos recordarán nuestro irrepetible Norberto Pappo Napolitano en "Buscando un amor" su ultimo trabajo en estudio. La maleable"The Levee's Gonna Break" también fue versionada por Led Zeppelin pero con el titulo de "When the Levee Breaks" en "Led Zeppelin IV".

Otro gran momento es "Nettie More" que utiliza versos de "Gentle Nettie Moore", una canción de 1857 compuesta por Marshall Pike y James Lord Pierpont, que curiosamente compuso el clásico navideño "Jingle Bells". Una canción que gira entorno a una base tranquila y pese a ser repetitiva (indiscutiblemente un sello marca Dylan), no pierde la originalidad, una señal de que esta leyenda sigue en carrera. El tema del final es "Ain't Talkin'", inspirada en una canción de Don Anthony y Ralph Stanley, "Highway of Regret" y de un tradicional irlandés "As I Roved Out". La letra describe lo que ve un viajero que camina por lugares que nunca antes había visitado y SIN HABLAR con ningún habitante de cada sitio. A lo largo de casi 9 minutos el narrador/observador alterna cuestiones personales y mundanas con otras universales, que en definitiva son las que labran la experiencia y la personalidad del hombre. El camino que nos cantan no es fácil. Hay muchas piedras en el camino, las luchas entre el bien y el mal están siempre presentes. Su valiosa experiencia nos alerta. Como en casi todas sus canciones extensas, el viaje se torna hipnótico. Desde los comienzos de su carrera en los albores de los años 60, Bob Dylan se caracterizaba por hablar, y como no, cuestionar a la sociedad en la que vivía. Con "Ain't Talkin'", dentro de este "Tiempos Modrenos",  se preocupa en "aggiornar" estas cuestiones. Todos vivimos vidas distintas, pero siempre hay un trasfondo que nos asemeja los unos con los otros.

El sitio web Allmusic redactaría sobre "Ain't Talkin'": "La gran ironía es que en el último tema, "Ain't Talkin'", donde un violín solo, un piano y una percusión derraman una balada gitana que indican un anhelo, que asciende a un hambre espiritual insatisfecho. El peregrino pasea, anda y aspira a hacer el bien a los demás, a pesar de que se tambalea a menudo a veces incluso quiere cometer un homicidio. Todo esto es parte de la "red de arrastre" de la vida en el mundo actual". Una buena apreciaciòn que no se encuentra para nada lejos de la realidad, emparentada a la dirección que intenta obtener este "Modern Times".

Fue producido por el propio Dylan bajo el seudónimo de "Jack Frost " y obtuvo en general una buena recepción del publico y la critica. Con respecto a lo controversial de las citas y reversiones de las canciones, en septiembre de 2006, el famoso diario "The New York Times" publicó un artículo explicando las similitudes entre las letras de "Modern Times" y el trabajo del poeta del siglo XIX Henry Timrod. En el mismo se describen al menos diez versos y frases asociadas a este poeta. Por otro lado otro articulo de el poeta neozelandés Clif Fell de "The Nelson Mail" encontró versos del poeta romano Ovidio entre varias de las canciones del disco. Pese a que no se acredito ninguno de los versos de estos poetas en el álbum, Bob Dylan reconoció su apropiado uso y esto tampoco supuso ningún problema en términos legales para el sello involucrado Sony.


Lista de Temas:

1. Thunder on the Mountain
2. Spirit on the Water
3. Rollin' and Tumblin'
4. When the Deal Goes Down
5. Someday Baby
6. Workingman's Blues #2
7. Beyond the Horizon
8. Nettie Moore
9. The Levee's Gonna Break
10. Ain't Talkin'


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Más de Bob Dylan:

1965 - Highway 61 Revisited
1966 - Blonde On Blonde
1969 - Nashville Skyline
1970 - Self Portrait
1975 - Blood On The Tracks
1981 - Shot of Love
2006 - Modern Times

viernes, 8 de mayo de 2015

Carlos Gardel - Aquellas Farras (Su Obra Integral Vol.12)


Inspirado en los versos de uno de los últimos grandes letristas y poetas que dio el tango, Enrique Cadícamo (1900-1999), se titula este volumen 12 de la obra integral de Carlos Gardel. El concepto de este tango en cuestión, empapa gran parte de esta entrega. Las historias en torno a fiestas, cabarets conciertos, corsos y carnavales, estan a la orden del día.

Es interesante la incurrencia en estos tangos a estos temas, sobre todo hacia los carnavales . Es así como suenan al compás del carnaval tangos como el carismático "Siga el corso" de 1926 ,que alguna vez luego popularizaría Julio Sosa, la propia "Carnaval" o la peculiar "Juventud" donde nos expresa que no todo es fiesta y diversión :..."Tu locura, tu cruel ironía, dejan huellas después que tú pasas; y conviertes dichosos en tristes,a esos pobres ya nadie los salva. ¡Carnaval, carnaval, qué inconsciente atropellas con tu bufonada! .Yo soy joven, te espero de frente, dile a Momo que saque su espada..."

Otro tópico repetido son la vida nocturna y los cabarets. Nuevamente el maestro Cadícamo refleja estas cuestiones con"Dos en Uno". Pero sin dudas también en la particular historia de "El Rey de Cabaret" , donde se describe a un dueño de cabaret con  su alma de piedra, hasta que una "paica" lo enamora. Inclusive "Acquaforte" esta inspirado en un cabaret de Milán llamado"Excelsior", lugar donde se encontraban los dos autores de este tango (el bahiense Marambio Catán y Horacio Petorossi). La atmósfera decadente del sitio les sugirió componer esta canción. Anécdota aparte esta letra sugirió a el dictador Benito Mussolini su censura, al suponer que el fascismo había desintegrado toda diferencia social. Es así como debió aclarase que era un "Tango Argentino", igualmente se consiguió que luego sea cantada por el tenor italiano Gino Franci.

"La violetera" y "Noches de Colón", parecen describir noches de conciertos, la primera evoca a una típica "florista" que se paseaba entre las filas del teatro, la segunda recuerda las noches del histórico teatro de Buenos Aires. Con música de Raúl de los Hoyos y letra de Roberto Lino Cayol, había sido estrenada en 1926,  por el actor y barítono Vicente Tito Climent, para la revista del Teatro Maipo "En el Maipo no hace frío". Carlos Gardel lo grabó ese mismo año con el acompañamiento de las guitarras de José Ricardo y Guillermo Barbieri y con el mismísimo De Los Hoyos al piano. Otra leyenda cuenta que el pianista se encontraba paseando por Madrid en 1928 y encontró a Gardel cantando este tango pero con sus versos cambiados para adaptarlos al lugar donde estaba cantando. El mudo lo titulaba como "Noches del Royal". Luego de la función se abrazaron y estuvieron riéndose con el "cambiaso" de Carlitos. Muy popular es también la versión de 1941 que grabarían Ricardo Tanturi con su orquesta típica y la voz del "cabezón" Alberto Castillo, pero a diferencia de Gardel, la cantaba solo hasta la mitad.

Otra situación bien tanguera que vale la pena mencionar se dá en "Gimiendo". Una suerte de confesión de un "matón" ya encerrado en la cárcel a su carcelero de guardia. Se escucha vanagloriarse al criminal:..."Venga y escuche, carcelero, que un taita arrabalero su historia va a contar, cuando el acero bien templado manchó de rojo, bata de percal. Bailaba engrupida por el ñato Abrojos y leí en sus ojos le hablaba de amor. Perdí la cabeza, relució el acero triunfó la destreza ¡y ganó el mejor!..."

Quizás uno de los tangos mas famosos de esta entrega sea "Cascabelito" compuesto en 1923 por el particular personaje alemán-chileno-argentino José Bohr (Yopes Böhr Elzer) como un regalo para un comerciante millonario de Punta Arenas (sur de Chile), por entonces lo había titulado "Feria franca". Bohr fue un personaje multifacético que tanto podía ser director de cine (¡de aquel incipiente cine!),actor, pianista, cantor, compositor, artista múltiple, charlista, inventor de un instrumento musical, el serrucho, que fue asombroso en su momento. Pero por sobre todas las cosas, Bohr fue un aventurero que solicitó y obtuvo la ciudadanía argentina cuando se afincó en el país en 1921 y logró dos éxitos fenomenales: "el camel-trot" "Tut-Ankh-Amón"("Tutankamón" también grabado por Gardel en 1924), que grabaría la orquesta de Francisco Canaro con un resultado espectacular en la venta de discos, y por supuesto "Cascabelito". Ya asentado en Buenos Aires Bohr consigue un empleo en una casa de música llamada Castiglioni. Básicamente se encargaba de ejecutar los instrumentos y las partituras a la venta diariamente para atraer a los clientes, es asi como casi siempre interpretaba sus dos exitazos. El poeta y sainetero Juan Andrés Caruso, que visitaba seguido la "Casa Castiglioni", y que era amigo de los dueños, escuchó este tema y le propuso a Bohr, ponerle versos.  Pensando en los próximos carnavales decidió crearle una letra relacionada con los mismos, que por entonces representaban una fiesta maravillosa y popular, lo tituló "Cascabelito". Aprovechando esta temática decidieron lanzarlo para los carnavales de 1924 , ejecutado con un armónio portátil  y montado en un mateo por el astuto Bohr a través de los desfiles y palcos por toda la ciudad de Buenos Aires. Al día siguiente las ventas de las partituras del tema crecieron considerablemente y Francisco Canaro, siempre visionario,  lo llevaría al disco de inmediato en forma instrumental. Gardel se entera del exito obtenido e inmediatamente lo llama a la Casa Castiglioni. Solo resta que el lector saque sus propias conclusiones:
-Pibe, me dijeron que sacaste un tangazo romántico que tiene que ver con el carnaval.
-Sí, Cascabelito - respondió Bohr.
-¿Porque no te venís con el pianito, nos lo pasás a mí y a los muchachos, lo grabamos,  la semana que viene está en la calle y será un flor de gol...



Lista de Temas:

1. Aquellas farras
2. Siga el corso
3. Acquaforte
4. Juventud
5. Dos en uno
6. La violetera
7. El rey del cabaret
8. Prisionero
9. Carnaval
10. Sacate la caretita
11. Noches de Colon
12. Calavera viejo
13. ...y reias como loca
14. Patotero sentimental
15. Gimiendo
16. Cascabelito
17. La reina del tango
18. Zorro gris


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Su Obra Integral hasta la fecha:

Volumen I: "Su Buenos Aires Querido"
Volumen II: "Amores Difíciles"
Volumen III: "Gardel en Barcelona"
Volumen IV: "Las Mujeres Aquellas"
Volumen V: "Eran Otros Hombres"
Volumen VI: "Anclao en Parìs"
Volumen VII: "Gardel en Nueva York"
Volumen VIII: "Garçonnière, carreras, timba... "
Volumen IX "Criollita Decí Que Sí"
Volumen X: "Gardel Por El Mundo"
Volumen XI: "Pobres Chicas"
Volumen XII: "Aquellas Farras"
Volumen XIII: "Cuídense Porque Andan Sueltos"
Volumen XIV: "Tomo Y Obligo"

jueves, 23 de abril de 2015

Kiss - Destroyer (1976) (Resurrected) (2012)


Cuarto álbum en estudio de esta importante banda de hard y glam rock gestada en NYC. Gracias al éxito considerable que supuso el doble en directo "Alive!" de 1975 (clásico de entre los clásicos entre los directos de la historia del rock). La banda comenzó a sentirse que ya estaba para producciones serias. Producido por el importante Bob Ezrin, productor de varios discos de Alice Cooper y de Pink Floyd ("The Wall", "A Momentary Lapse of Reason", "The Division Bell"), entre otros. Ezrin aportaría sus conocimientos de productor y llegando a aparecer en gran parte de los créditos de las composiciones. También sometería a la banda un arduo e intensivo entrenamiento musical. "Destroyer" es uno de los álbumes mas elaborados de Kiss en la década del 70. Cuentan por primera vez con la participación de músicos invitados y una importante colaboración de la "New York Philharmonic-Symphony Orchestra". Álbum que influenciaría mucho a bandas venideras con su buen hard rock con toques de heavy metal.

Independientemente a lo que el común de la gente piense sobre Kiss, (que es seguramente un concepto erróneo) la banda no es solo maquillajes y estrafalarias vestimentas. Tampoco es una maquina de hacer  hits ("I Was Made for Lovin' You" o "Rock and Roll all Nite"), con "Destroyer" demuestran un buen compromiso con la música y las composiciones. Buen ejemplo de esto es el duro comienzo del disco "Detrot Rock City" donde las guitarras de Stanley y Ace Frehley suenan como nunca antes, pero aquí la linea del bajo de Simmons sobresale por encima de estos. Una canción que con el correr de los años se transformo en un clásico de la banda y muchas veces la obertura de sus recitales. La letra esta inspirada en un fan de Kiss que murió cuando se aproximaba a un recital de la banda en un accidente, de ahí los sonidos de la radio  del comienzo y  de "Crash"  en el final. El rock potente prosigue con "King of the Night Time World" todo un himno al "rock fiestero" .

Cada miembro de Kiss adopta un rol desde su vestimenta y su maquillaje. Paul Stanley es "The Starchild" el hombre de la estrella evoca el carisma del cantante principal y por que no el de super estrella de rock, Gene es "The Demon", el demonio sus actuaciones, son salvajes (van desde sacar sangre y hechar fuego por la boca y mas), también intenta tener claroscuros en sus composiciones , y en su personalidad debido a la fuerte influencia de uno de sus ídolos el multifácetico actor Lon Chany (apodado el hombre de las mil caras, valga la redundancia), Peter Criss es "The Catman" otro pesonaje dual , muestra toda la ternura de un gatito en sus composiciones  y refleja a la vez un costado salvaje y lleno de excesos, se ha dicho también que tiene "7 vidas" y  Ace Frehley es "The Spaceman", de pequeño se intereso por la astronomía y muchos se referían a el como "de otro planeta" por su forma de ejecutar su instrumento. Resulta raro entonces que la canción "God of Thunder" que es una de las que mas representa a Simmons, sea compuesta por Stanley. Los efectos de sonido y bucles de la cinta al revés forman el apocalíptico telón de fondo de la pieza mientras Gene hace una de las voces más enérgicas de su carrera profesional con una densidad realmente sutil, habla claro está del dios Zeus. Se destaca un riff pesado como un yunque y unos  gritos y risas de niños por detrás (a cargo de los hijos de Ezrin). En vivo Gene comienza con un ritual de bajo demoníaco que culmina siendo elevado con un arnés hacia lo alto del escenario donde ejecuta la canción.

El rock ardiente, visceral, duro y locuaz alavés  de Kiss, se ve interrumpido levemente por una deliciosa tajada de Gene "Great Expectations" . Una verdadera sorpresa para sus fans, ya que es atípico por su orquestación, la forma de cantar de Gene y la inclusión de un coro. hay quienes sostienen que es un plagio a "La Patética" de Ludwing van Beethoven. Dick Wagner (Alice Cooper) es un guitarrista que no aparece en los créditos del álbum, aporta guitarras en "Flamin Youth", "Beth" (acústica) y en "Sweet Pain" esta ultima debido a que en el momento de su grabación Ace se encontraba jugando una partida de poker y se rehusaba a interrumpirla. Otro inmortal clásico del "rock fiestero" de Kiss  es "Shout it out Loud" que transmite claramente buenas vibraciones a los fans adolecsentes de la banda.

Con "Beth" la orquesta adopta un papel definitivo. Composición de Peter Criss y el único tema de Kiss ganador de un premio Grammy. Básicamente es una balada con piano y guitarra acústica y el resto arreglos sinfónicos. La letra describe la falta de desatención que tiene el narrador para con su mujer, ya que esta ocupado con los chicos de la banda ensayando y no puede llegar a su hogar. Todo parece suponer que "Beth" era el nombre de la esposa de Criss. Pero curiosamente la canción existía antes de que Kiss se formara. Estaba co-compuesta  con Stan Penridge quien era miembro de la banda que integraba Criss a comienzo de los 70´s "Chelsea". Por aquel entonces  ellos cantaban:  ..." oh Beck , what can I do..."  en alusión a la pareja de otro miembro de dicha banda: Mike Brand, llamada Becky. La canción se ha hecho todo un clásico de la banda e interpretado a lo largo de las innumerables giras por todo el mundo. Tan importante es esta canción que hasta los siguientes bateristas que reemplazaron a Peter  (Eric Carr y Eric Singer) la interpretaron en vivo. Cierra el álbum otro hit inmortal de la banda, la melosa: Do You Love Me. Gran composición de Paul con claros tintes  pops. La letra desgrana la relación del "rock star" con sus fans.


Uno de los discos mas recomendables e importantes de Kiss en los 70´s. El arrasador éxito de "Destroyer" y de su antecesor "Alive!" obtuvo como resultado la primer gira por Europa de la banda. La portada presenta por primera vez a Kiss como personajes de historietas y fue realizada por Ken Kelly, que había dibujado el cómic "Conan el Bárbaro" y que más tarde trabajaría con bandas como Rainbow y Manowar. En un principio las ventas del LP iban en incremento e inclusive logro el oro, pero luego decayó. Solo con la repercusión radial de "Beth" como la cara B del sencillo "Detroit Rock City", el álbum volvió a entrar en las principales listas y logra el disco de platino a finales de 1976.

La presente aquí es la versión remasterizada que se le ocurrió a Ezrin lanzar por el 35 aniversario del disco en 2012 con el nombre de "DESTROYER RESURRECTED" que incluye el solo original de Ace en "Sweet Pain". Los detallistas o fanáticos pueden descubrir verdaderas revelaciones. Descubrimos tomas extras de guitarras ritmicas en "King Of Night Time World" , efectos de sonido antes no presentes en "God Of Thunder" o mas guitarras acusticas y mas coros adicionales en "Beth" .



Lista de Temas:

1. Detroit Rock City
2. King Of The Night Time World
3. God Of Thunder
4. Great Expectations
5. Flaming Youth
6. Sweet Pain
7. Shout It Out Loud
8. Beth
9. Do You Love Me
10. Rock And Roll Party
11. Sweet Pain (Original Guitar Solo)


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Dos momentos de "God of Thunder"







sábado, 21 de marzo de 2015

Pete Townshend - Who Came First (1972)


Paralelamente a su carrera con The Who, Pete Townshend el carismático líder de esta banda, ya había grabado dos álbumes en solitario con la colaboración de su amigo Ronnie Lane, (Faces y Small Faces). Los mismos formaban parte de su devoción a su líder espiritual de por aquel entonces, Meher Baba. El primero, "Happy Birthday" conmemoraba el nacimiento de este guru y el siguiente fue "I Am" los dos de 1970. Ambos discos fueron distribuidos en pequeñas cantidades entre 1970 y 1972 en el Reino Unido. El sello DECCA pidió a Pete publicarlos en EE.UU. ya que estos trabajos se vendían como discos piratas. Aún así Townshend decidió componer otras canciones, grabar las que tenia guardadas y utilizar algunas de estos dos trabajos para publicar su primer disco solista oficial: "Who came First". Disco también dedicado a este guru, a quien The Who ya le había dedicado la iconica canción "Baba O'Riley".

Producido por el mismo, "Who came first" vería a un Townshend inspiradisimo y espiritualizado, ejecutando todos los instrumentos con la colaboración de su buen amigo Ronnie Lane, un "mod" como el, que ya se encontraba integrando los Faces, aquella  banda junto a Rod Stewart y Ron Wood, que formo tras disolverse The Small Faces. Lane ejecuta la guitarra y canta en un tema de su autoria "Evolution", incluido en el primer trabajo de los Faces "First Step" pero con otro nombre "Stone". También colaboran en la composición Billy Nicholls y Caleb Quaye con "Forever's No Time at All".

Sus grandes dotes de compositor y productor se ven plasmados de inmediato en "Pure & Easy" y en "Let´s see Action" dos excelentes canciones que ya eran demos para aquella opera trunca de los Who "Life House" que desembocaría en el irrepetible "Who´s Next". Townshend demuestra un gran manejo de arreglos de sintetizadores y guitarras, en ambas, lo que marcaría a fondo el concepto de pureza de todo el álbum. "Pure & Easy" seria grabado años mas tarde para el disco de recopilación "Odds & Sodds" en 1974 y quien es fan de The Who facilmente podrá recordar un fragmento de esta canción en "The Song is Over" de "Who s Next", también la incluiría en otros discos solistas como "Lifehouse Chronicles" y "Lifehouse Elements".

La naturaleza de este disco se inclina hacia la omnisciencia en ver las cosas sobre todo en la música, pero también se habla de religión, mensajes directa e indirectamente hacia Meher Baba. Habla también de la evolución del mundo. Es por ello que Pete incluye la canción de Lane "Evolution". Un country excéntrico en el que el narrador se transfigura en diferentes objetos y personajes a través de las eras, de una forma singular y hasta graciosa. En gran parte Townshend pretende abandonar todo lo posible la potencia de los Who. Las composiciones mas rockeras quizás sean la adorable y "falsetteada" "Forever's No Time at All" compuesta por uno de los músicos que lo acompañan en este álbum  Billy Nicholls y por Katie Mclnnerney, "Let's See Action" por supuesto, y "The Seeker" otra ya grabada con los Who como simple en 1970 e incluida en un recopilatorio "Meaty Beaty Big and Bouncy" en 1971. Una gran banda que interpreto esta canción fueron los canadienses Rush como parte de aquel homenaje a las bandas de los 60´s que los influenciaron: "Feedback" (2004).

La búsqueda de un sonido mas puro, se hace notar en gran parte de las composiciones. La mayoría en plan intimista."Sheraton Gibson" es una reflexión de la vida de la estrella de rock en la carretera. Pete aquí incluye una bella mandolina y su espíritu inquieto a la hora de experimentar con  sintetizadores (mas que nunca en aquellos primeros años 70´s). El disco destila espiritualidad por donde se lo mire he allí entonces "Parvardigar" una adaptación musical que Pete hizo de la plegaria universal de Meher Baba. La canción es básicamente acústica con buen acompañamiento de pianos y algún que otro matiz de sintetizador.
La edición presente aquí es de 2006 que incluye 9 temas extras, donde apreciamos "The Seeker" y también las cálidas "Day of Silence" y "Sleeping Dog" u otras en plan super experimental como "The Love Man" o "Lantern Cabin". Otro curioso aporte es el country extra-visceral "Mary Jane" como así también una adaptación de un tema de Cole Porter "Begin the Beguine".



Lista de Temas:

1. Pure and Easy
2. Evolution (Ronnie Lane)
3. Forever's No Time at All (Billy Nicholls, Katie Mclnnerney)
4. (Nothing Is Everything) Let's See Action
5. Time Is Passing
6. There's A Heartache Following Me (Ray Baker)
7. Sheraton Gibson
8. Content (Maud Kennedy, Townshend)
9. Parvardigar (Meher Baba, Townshend)

Bonus Tracks:

10. His Hands
11. The Seeker
12. Day of Silence
13. Sleeping Dog
14. The Love Man
15. Lantern Cabin
16. Mary Jane
17. I Always Say
18. Begin the Beguine (Cole Porter)


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Pravadigar



lunes, 16 de febrero de 2015

Tribalistas (2002)


Os Tribalistas es un trío del Brasil formado por los músicos y compositores Marisa Monte, Arnaldo Antunes y Carlinhos Brown. Por separado ya habían colaborado entre ellos en composiciones para  sus discos solistas mas precisamente luego que Marisa Monte grabara una participación en el disco de Arnaldo Antunes el cual Carlinhos Brown estaba produciendo. A raíz de esas buenas cooperaciones en marzo de 2001 deciden juntarse en Bahía para formar este excelente trío que oscila entre el pop, rock, el MPB (música popular do brasil) y la samba. Incursionando un poco en la música electrónica. Es así que juntos componen unas 20 canciones donde solo 13 son plasmadas en este bello álbum único del trío hasta el día de hoy. Ellos mismos explayarían que Tribalistas no era un proyecto sino un sueño de cada uno.

En lineas generales es un álbum bastante diverso , con variaciones de la música samba y la bossa con tintes de jazz y aires intimistas, a esto se le podría agregar dosis de pop, rock, hip-hop y funk. Contiene grandes canciones que en poco tiempo se han convertido el grandes joyas de la música de Brasil, algunas se han convertido en hits ("Velha infância" y "Já sei namorar"), otras han dejado un buen recuerdo.

"Carnavália" es quizás una de las mas importantes canciones del álbum. Canción de carácter atemporal y que es fiel a la tradición carnavalista de este país. La buena química entre las voces esta a la orden del día y por supuesto como en muchos otros momentos la mágica voz de Monte tiene un papel determinante. Muchos coincidirán que "Velha Infância" asoma como el hit del álbum, otros acusaran que esta sobre valorado por estar usado un una famosa novela de TV. Lo cierto que no deja de ser una gran canción. Otro gran momento es sin dudas "Passe Em Casa" con aires raperos, su letra concebida como un entretenido juego de palabras. A este ritmo rapeado se le adicionan sampleos de percusión como así también la colaboración de la buena voz de Margareth Menezes. En el final un curioso sonido de aspiradora de mano ejecutado por Marisa Monte.

Siendo fieles a este gran genero no podían faltar las armonías acongojadas (en gran parte son  un sello personal de Brown , con sus tarareos lacrimogenos de fondo), podemos descubrirlas en "O Amor É Feio" o "Carnalismo", la primera nos demuestra la buena química de la voz de Monte con la carraspeada voz de Antunes. Otros dos grandes momentos que no hacen mas que confirmar la naturaleza del disco son sin duda "Mary Cristo" y "Lá De Longe". Composiciones que demuestran lo que aportan para la música del Brasil sino también universal.

El álbum fue grabado  2002 en secreto en la casa de Marisa Monte en Rio de Janeiro, grabando una canción por día. El disco salio a la venta en Brasil en 2002 y al año siguiente en el resto del mundo. El álbum vendió más de 1,5 millones de copias solamente en Brasil. En total, fueron vendidas  más de 2,1 millones de copias. Tubo cinco nominaciones Grammys latino ganando solo uno  en 2003 y un premio de la BBC en 2004. Existe también una versión en formato DVD que incluye videos de la grabación de algunas canciones del disco y diálogos y entrevistas con los tres músicos en el estudio. Actualmente los tres integrantes de Tribalistas continúan con sus respectivas carreras solista, pero ven abierta la posibilidad de un segundo trabajo bajo este nombre.



Lista de Temas:

1. Carnavália
2. Um a um
3. Velha infância
4. Passe em casa
5. O amor é feio
6. É você
7. Carnalismo
8. Mary cristo
9. Anjo da guarda
10. Lá de longe
11. Pecado é lhe deixar de molho
12. Já sei namorar
13. Tribalistas

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jueves, 22 de enero de 2015

Yes - The Ladder (1999)


Por aquellos momentos en que casi nadie les daba crédito,Yes con unas joviales incorporaciones, renace con este sobresaliente álbum, quizás el mejor de la década de los 90´s. Luego de pasar la ultima etapa con el guitarrista Trevor Rabin ("Talk" de 1994), los dos excelentes "Keys to Ascension 1 y 2" trabajos con la formación mas famosa (Anderson, Wakeman, Howe, Squire, White), y el olvidable "Open Your Eyes" (1997). Yes decide retornar a su sonido clásico sumado a un aggiornamiento muy peculiar. Contarían con la importante producción del famoso Bruce Fairbairn (Loverboy, Blue Öyster Cult, Aerosmith, Bon Jovi, AC/DC) quien fallecería antes de la salida del álbum.

Pese a la inestabilidad eterna en sus formaciones, Yes apostaría entonces a seguir con su misma formación, con los jóvenes Billy Sherwood en guitarras, y el tecladista ruso Igor Khoroshev quien ya había aportado lo suyo en "Open you Eyes" como músico de sesión , esta vez seria parte de la formación estable de la banda. Es mas que evidente la fuerte mano de Anderson en el grueso de las composiciones y la presencia (por demás a veces) de su bellísima voz , robándose gran parte del disco. Hayamos también algunos vestigios de la época "pop american" de la era Rabin. Como lo habíamos mencionado, el sonido del disco reanima el fuego sinfónico progresivo que los catapultó como leyendas de ese género, como así también ciertos aires de rock industrializado, este toque comercial lo aportaría el desempeño del prestigioso Fairbairn.
Sherwood por su parte haría las veces de "nuevo Rabin" (sobre todo en vivo), y esta ves no seria productor o ingeniero (había metido lo suyo en el disco "Union" de 1991), siendo un perfecto sostén rítmico para el gigantezco Steve Howe.

El disco no puede tener un comienzo más prometedor "Homeworld (The Ladder)". El nombre esta inspirado en un video juego (del mismo nombre), el CD original incluye un video que promociona este video juego y una entrevista a Jon Anderson. Es una perfecta mixtura entre los clásico de Yes y lo nuevo (a decir verdad casi toda la impronta del álbum es así). Una canción de nueve minutos, completísima que contiene todo lo que tiene y debe tener un clásico de Yes. Su comienzo es tranquilo con las guitarras de lujo de Howe muy destacables, impresionantes sustentos vocales para Jon por parte de Sherwood y Mr. Squire, quien apabulla con su exuberante bajo. El ruso Khoroshev se encarga de hacernos olvidar a Rick Wakeman, casi en la mitad nos encontramos con un cambio imprevisto en la canción donde se atreve a hacer un dialogo de las voces con los teclados y una guitarra que parece atropellarse. También aporta múltiples texturas de teclados  que desembocan en otro magnífico solo de Howe. Luego aparece con un sampler de mellotron para el final de la canción que baja de volumen con un tramo de guitarra española y una dulce coda de Anderson acompañada por un piano. Un final esplendido que invita al oyente a seguir escalando "The Ladder". "It Will Be A Good Day (The River)" una gema . Canción redonda, rítmica y vocalmente pegadizas, con una letra por demás positiva: "Golden forest, golden lake, Sanctuary, state of grace. I will find reason a place to begin. It will be a good day...". Altísima calidad de coros los cuales se llevan todos los laureles.

A partir de "Lightning Strikes" comienza una seguidilla de tres canciones para sacarse el sombrero. "Lightning Strikes" se nos presenta como un tema con aires bailables y latinos. Hay cierta semejanza al "Teakbois" de ABWH (Anderson, Bruford, Wakeman, Howe). Su comienzo es acústico y luego se le adhieren todos los instrumentos donde se destaca sin dudas la velocidad del bajo de Squire y una oportuna sección de vientos. Enganchado al final "Can I?" una joyita para todos los fans de Yes, es un inteligente arreglo del "We Have Heaven" del viejo álbum "Fragile" de 1972. Inmediatamente la sobresaliente "Face To Face". Al igual que "Homeworld" sobresalen en conjunto. Mas que nadie Mr. Squire quien nos empalidece con una ejecución veloz y enérgica, dosifica las velocidades sabiamente. Aunque debemos decir que Howe hace lo suyo (seguramente por el enérgico aliento que le da el propio Jon casi al inicio de la canción : Come On Steve!!). La voz de Anderson tiene su peso y a veces nos preguntamos como puede cantar de esa forma (casi sin respirar), como un instrumento mas. Los coros también se ganan lo suyo sobre el final. De lo mejor de "The Ladder".

La balada en plan romanticón, no nos la podían deber: "If Only You Knew", una dedicación a la esposa de Jon. De lo mejor de Steve con la steel. Acertados trabajos de coros y buenos arreglos de los teclados de Khoroshev. Otro gran acierto en los coros en la pop "To Be Alive (Hep Yadda)" que es lo mas destacable , llegando a ser muy pegadizo pero sin ser melosa, no decepciona en absoluto. "Finally" pop eléctrico e industrializado, buenos sostenes rítmicos de Sherwood y corona la voz de Anderson que le da un costado rockero. Gran solo de Howe, poco después nos sorprenden con un pasaje tranquilo con buenos arreglos de Khoroshev y Steve, sobre todo de este ultimo que nos lleva por el túnel del tiempo para arribar en la era de "Close to the Edge" o "Tales From Topographic Oceans".

Poco antes de morir el productor Bruce Fairbairn, sabiamente les recomendó que para "The Ladder" compusieran una canción para una "personalidad sobresaliente". Es así como "The Messenger" fue escrita e ideada por Anderson homenajeando al mismísimo Bob Marley. No se puede negar que inevitablemente tenga una base con cierto aire reggeae, acompañada por una guitarra acústica con toques  "R&B". Se desarrolla con un ritmo cálido con buenos diálogos entre las guitarras de Steve y Sherwood con una exquisita bateria de White y buenos coros, que solo se les critica que podrían haberse grabados con mayor volumen. Finaliza con una sección acústica donde quizás se transmita el grueso de "El Mensaje": "Una voz,un mundo,un toque, una vida... verdaderamente, decilo: un mundo... una voz, un toque... verdaderamente, decilo: algunas personas se dan cuenta, algunas personas lo ven desde el comienzo, un mundo... un toque, una voz... una vida..."

"New Language" un prestigioso momento que emula doradas eras como las de "Drama" o "Going for The One" por nombrar solo dos grandes momentos. La intro es un brillante hammond de Khoroshev, para deslizarse en un poderoso ritmo por Squire y Howe, con ciertos aires a "Tempus Fugit" o "Siberian Kathru", la bateria de White es mas veloz y precisa que en cualquier otra  canción del álbum. De repente todo se aquieta quedando la voz y el teclado a los que se le van sumando todos los instrumentos, con destacables arreglos de teclados, de forma creciente para terminar en un gran estribillo. Muy precisos los coros como en gran parte del álbum, seria inimaginable esta canción si ellos. Khoroshev se interesa en incluir tecnología a este Yes de fin de siglo, implementando mellotrones sampleados. Una vez mas y a pesar del tiempo Steve Howe demuestra un gran manejo de su instrumento, tanto para entenderse con Sherwood como asi también con gloriosos punteos  por momentos jazzeros. Cierra el disco una linda balada acústica "Nine Voices (Longwalker)". Bellas armonías vocales y percusiones a la altura de las viejas composiciones del Yes de antaño.

Una vez mas el arte de tapa es una pintura del legendario Roger Dean , quien ya había hecho muchas portadas tanto para Yes como para algunos trabajos en solitario de miembros de la banda. El productor Bruce Fairbairn falleció repentinamente el 17 de Mayo de 1999, unos meses antes de la publicación del disco, que terminó siendo dedicado a él. El tour de "The Ladder" los trajo a Buenos Aires , en una unica función en el Luna Park en 1999. De esta misma gira, luego surgiría el doble "House of Yes: Live from House of Blues" (2000). Como dato curioso, luego de esta gira en el año 2000, el guitarrista Billy Sherwood abandona la banda. No obstante la amistad que lo une con Chris Squire, llevaría a formar el dúo bautizado Conspiracy registrando dos álbumes"Conspiracy" (2000)  y "The Unknown" (2003). También formaría la agrupación Circa junto a Alan White y al primer tecladista de Yes Tony Kaye, dando a conocer tres trabajos de estudio. El siguiente en dejar Yes seria Khoroshev tras recibir acusaciones formales de acoso sexual a una de las chicas encargadas de la seguridad en un concierto en Estados Unidos. Como futuro inmediato Yes se quedaría sin tecladista y sin segunda guitarra, sin otra variante en su formación, publicarían en 2001 el aceptable "Magnification", pero eso es parte de otra historia.


Personal:

Jon Anderson - voz principal
Chris Squire - bajo, coros
Steve Howe - guitarra principal, guitarra acustica, steel guitar, mandolina, coros
Billy Sherwood - guitarra, coros, teclados
Igor Khoroshev - teclados, coros
Alan White - batería, percusión, coros



Lista de Temas:

1. Homeworld (The Ladder)
2. It Will Be a Good Day (The River)
3. Lightning Strikes
4. Can I?
5. Face to Face
6. If Only You Knew
7. To Be Alive (Hep Yadda)
8. Finally
9. The Messenger
10. New Language
11. Nine Voices (Longwalker)


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